{"id":2253,"date":"2024-05-01T07:33:00","date_gmt":"2024-05-01T05:33:00","guid":{"rendered":"http:\/\/alexianeriou.fr\/?p=2253"},"modified":"2024-05-06T12:59:46","modified_gmt":"2024-05-06T10:59:46","slug":"en-quoi-le-processus-et-la-demarche-de-creation-de-lartiste-interagissent-avec-loeuvre-donnee-a-voir-au-spectateur","status":"publish","type":"post","link":"http:\/\/alexianeriou.fr\/?p=2253","title":{"rendered":"En quoi le processus et la d\u00e9marche de cr\u00e9ation de l\u2019artiste interagissent avec l\u2019\u0153uvre donn\u00e9e \u00e0 voir au spectateur. \u00a0"},"content":{"rendered":"\n

Introduction<\/strong><\/h4>\n\n\n\n

On se figure souvent qu\u2019une \u0153uvre d\u2019art est le r\u00e9sultat final de la vision ou de l\u2019inspiration propres de l\u2019artiste.<\/p>\n\n\n\n

Selon le philosophe Alain \u00ab\u00a0l\u2019\u2019id\u00e9e vient \u00e0 l\u2019artiste au fur et \u00e0 mesure qu\u2019il fait\u00a0; l\u2019id\u00e9e lui vient ensuite comme un spectateur, et qu\u2019il est spectateur aussi de son \u0153uvre en train de na\u00eetre. Et c\u2019est l\u00e0 le propre de l\u2019artiste. Il faut que le g\u00e9nie ait la gr\u00e2ce de la nature et s\u2019\u00e9tonne lui-m\u00eame.\u00a0\u00bb<\/p>\n\n\n\n

Dans le m\u00eame temps, le spectateur, le regardeur selon Marcel Duchamp, n\u2019est plus aujourd\u2019hui quelqu\u2019un que l\u2019on doit \u00e9difier, ou r\u00e9v\u00e9ler \u00e0 lui-m\u00eame, c\u2019est quelqu\u2019un d\u2019\u00e9mancip\u00e9 dira Jacques Ranci\u00e8re, qui regarde \u00e0 sa mani\u00e8re avec sa culture artistique, son exp\u00e9rience, sa sensibilit\u00e9 propres. <\/p>\n\n\n\n

Face \u00e0 l\u2019\u0153uvre, ce ne sera pas seulement son ressenti imm\u00e9diat, subjectif et instable en tant que spectateur qui interviendra, mais na\u00eetra aussi une confrontation avec sa m\u00e9moire de lieux et d\u2019\u00e9v\u00e9nements, ainsi qu\u2019avec d\u2019autres \u0153uvres artistiques.<\/p>\n\n\n\n

La question renvoie donc \u00e0 l\u2019entr\u00e9e de programme Q1-5 \u00ab\u00a0La cr\u00e9ation, la mat\u00e9rialit\u00e9, le statut, la signification des images\u00a0\u00bb.<\/p>\n\n\n\n

Je verrai ainsi dans une premi\u00e8re partie \u00ab\u00a0Le processus de cr\u00e9ation de l\u2019oeuvre, quand l\u2019auteur est aussi le spectateur engag\u00e9 de celle-ci \u00bb \u00a0et dans une seconde partie \u00ab\u00a0L\u2019\u0153uvre, comme mouvement cr\u00e9atif spatio-temporel, confront\u00e9e \u00e0 son auteur et au regard du spectateur\u00a0\u00bb.<\/p>\n\n\n\n

I. Le processus de cr\u00e9ation de l\u2019\u0153uvre, quand l\u2019auteur est aussi le spectateur engag\u00e9 de celle-ci.<\/strong><\/h4>\n\n\n\n

I.1\u00a0 L\u2019\u0153uvre comme th\u00e9\u00e2tre de sa propre cr\u00e9ation<\/strong><\/h4>\n\n\n\n

La cr\u00e9ation ne r\u00e9side pas seulement dans des rapports harmonieux entre la mati\u00e8re, le medium, la couleur et la forme. <\/p>\n\n\n\n

Elle imagine aussi des relations r\u00e9ciproques entre l\u2019artiste, l\u2019\u0153uvre donn\u00e9e \u00e0 voir et le spectateur. <\/p>\n\n\n\n

Roy Lichtenstein, artiste phare du Pop art, concevait pr\u00e9cis\u00e9ment son \u0153uvre avant de la cr\u00e9er. Mais l\u2019acte de peindre gardait tout son sens et il peignait toujours lui-m\u00eame en consid\u00e9rant \u00ab\u00a0que l\u2019artiste devait interagir avec son \u0153uvre sinon on ne va nulle part\u00a0\u00bb. Il la photographiait en cours de production. Il utilisait un miroir pour l\u2019examiner sous diff\u00e9rents angles. Faisait basculer son chevalet. La regardait, la reprenait, travaillait chaque \u00e9l\u00e9ment du tableau. Et l\u2019\u0153uvre finale \u00e9tait une \u0153uvre nouvelle issue du projet original, mais renouvel\u00e9e en raison des interactions nombreuses entre l\u2019\u0153uvre en voie de na\u00eetre et l\u2019artiste en train de la cr\u00e9er.<\/p>\n\n\n

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Roy Lichtenstein, Masterpiece, 1962, 137 cm x 137 cm, collection priv\u00e9e<\/em><\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n\n

D\u2019un autre c\u00f4t\u00e9, c\u2019est l\u2019exp\u00e9rience sensible et le regard du spectateur qui feront de la cr\u00e9ation des artistes du pop art des oeuvres d\u2019art. Le spectateur a bien en t\u00eate les films d\u2019Alfred Hitchkock, avec par exemple Cary Grant et Grace Kelly \u00e9chevel\u00e9e dans une d\u00e9capotable. Il conna\u00eet des centaines de bandes dessin\u00e9es, les m\u00eames dont s\u2019est d\u2019ailleurs inspir\u00e9 Roy Lichtenstein. Il est plong\u00e9 dans la soci\u00e9t\u00e9 consum\u00e9riste, dont les objets seront magnifi\u00e9s par Andy Warhol, par exemple (bo\u00eete de Campbell Soup, bouteille de coca cola).<\/p>\n\n\n\n

Ainsi, l\u2019interaction entre l\u2019artiste et son oeuvre peut \u00eatre \u00e9largie \u00e0 son environnement. Le succ\u00e8s imm\u00e9diat de Masterpiece illlustre aussi que les spectateurs se sont aussi reconnus dans cette oeuvre. <\/p>\n\n\n\n

I.2. L\u2019artiste d\u00e9fie son \u0153uvre en la cr\u00e9ant.<\/strong><\/h4>\n\n\n\n

Compos\u00e9e de sculptures en cire,\u00a0Untitled, 2011 de Urs Fisher, \u00a0est un groupe de bougies monumentales que l\u2019on allume au premier jour de leur exposition\u00a0: la r\u00e9plique en pl\u00e2tre grandeur nature d\u2019un c\u00e9l\u00e8bre groupe sculpt\u00e9 de la p\u00e9riode mani\u00e9riste\u00a0\u00ab\u00a0L\u2019Enl\u00e8vement des Sabines\u00a0\u00bb\u00a0(1579-1582) de Giambologna (Jean de Bologne).<\/p>\n\n\n\n

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Giambologna,\u00ab\u00a0L\u2019Enl\u00e8vement des Sabines\u00a0\u00bb\u00a0(1579-1582).<\/em> Sculpture, Loggia des Lanzi, Place de la Seigneurie, Florence , Italie<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

L\u2019\u0153uvre de Giambologna est une \u0153uvre id\u00e9ale, fig\u00e9e dans sa perfection intemporelle.<\/p>\n\n\n\n

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Urs Fisher (1973-)\u00a0; Sans-Titre, ire, pigments, m\u00e8ches, acier, dimensions variables, Installation\u00a0; Illuminations, Arsenal, Biennale de Venise.<\/em><\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

En se consumant, l\u2018\u0153uvre se cr\u00e9e de fa\u00e7on maitris\u00e9e puisque le processus de la cire qui coule est appr\u00e9hend\u00e9e, mais une part de hasard subsiste quant aux volumes, formes. Le public sera entra\u00een\u00e9 dans ce tourbillon mani\u00e9riste de cire coulante et phosphorescente. Une empathie na\u00eetra avec le public qui verra la r\u00e9plique de cette \u0153uvre \u00e9voluer en fondant puis disparaissant.<\/p>\n\n\n\n

Elle se consume en tant qu\u2019\u0153uvre, puisque lorsque les bougies s\u2019\u00e9teignent, il n\u2019y a plus v\u00e9ritablement d\u2019\u0153uvre.<\/p>\n\n\n\n

En fait, il y a un d\u00e9calage de temps entre la formulation du projet, ici l\u2019allumage des bougies le matin par le personnel du mus\u00e9e et la r\u00e9alisation du projet en l\u2019absence de l\u2019artiste mais en pr\u00e9sence du public. Sans le public il n\u2019y a pas d\u2019\u0153uvre. L\u2019\u0153uvre est in process \u2013\u00a0 la modification de la r\u00e9plique de la statue de la Renaissance en bougies fondantes- et n\u2019est que ce que le public en voit. L\u2019\u0153uvre ne sera pas quelque chose, outre les \u00e9ventuelles photographies, que ce que le public en aura rapport\u00e9, c\u2019est\u00a0 \u00e0 dire des images\u00a0 de l\u2019\u0153uvre de Giambologna, qu\u2019il conna\u00eet, et sa d\u00e9composition dans le temps sous la forme de la statue de cire qui coule.\u00a0\u00a0 <\/p>\n\n\n\n

Au final ce sera la fa\u00e7on dont instruments et moyens s\u2019organisent pour que la cr\u00e9ation se d\u00e9ploie sous les yeux de l\u2019artiste.<\/p>\n\n\n\n

I.3. L\u2019artiste se rend invisible pour entamer une relation singuli\u00e8re et th\u00e9\u00e2trale avec son \u0153uvre.<\/strong><\/h4>\n\n\n\n

Liu Bolin pose durant des heures devant un mur, un monument, une fresque ou encore un rayon de supermarch\u00e9 pour travailler son camouflage dans les moindres d\u00e9tails, sans aucun trucage num\u00e9rique. Il fige ensuite la performance par le biais de la photographie.<\/p>\n\n\n\n

Il se rend invisible (\u00ab\u00a0hiding in\u00a0\u00bb\u00a0: cach\u00e9 dans, s\u2019intitulent souvent ses \u0153uvres) \u00a0pour mieux se faire remarquer et pour mettre en valeur le lieu sc\u00e9nographique, qui est le th\u00e9\u00e2tre de sa performance et de son \u0153uvre. Cela joue aussi bien pour promouvoir un lieu culturel qu\u2019une marque de v\u00eatements ou de champagne.<\/p>\n\n\n\n

Le message souvent politique est important mais l\u2019essentiel est comment interagissent l\u2019artiste et son \u0153uvre, d\u00e8s lors que le processus cr\u00e9atif toujours semblable aboutit \u00e0 ce que l\u2019\u0153uvre renvoie in\u00e9luctablement \u00e0 l\u2019artiste et \u00e0 son processus cr\u00e9atif. <\/p>\n\n\n\n

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Liu Bolin, Florence, 30 ao\u00fbt 2023, \u00ab\u00a0La salle d\u2019arme du Palais Vecchio\u00a0\u00bb ,<\/em> dans le cadre du projet \u00ab\u00a0Hiding in Florence\u00a0\u00bb\u00a0 r\u00e9alis\u00e9 en collaboration avec la commune de Florence.<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
\"\"<\/figure>\n\n\n\n

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Comme Urs Fisher , avec \u00ab\u00a0l\u2019enl\u00e8vement des Sabines\u00a0\u00bb, Liu Bolin s\u2019inscrit dans une r\u00e9f\u00e9rence culturelle. Il se met en sc\u00e8ne autant qu\u2019il se rend invisible, et c\u2019est le r\u00e9sultat\u00a0 de la performance de l\u2019artiste, qui permettra \u00e0 celui-ci, dans un processus t\u00e9l\u00e9ologique, de comprendre comment sa d\u00e9marche fonctionne lorsqu\u2019elle fonctionne\u2026ce qui est bien le cas ici.<\/p>\n\n\n\n

I.4 L\u2019artiste se rend visible pour devenir le h\u00e9ros d\u2019une \u0153uvre qui interroge son auteur et le spectateur.<\/strong><\/h4>\n\n\n\n
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Philippe Cazal, De plus en plus de gens appr\u00e9cient l\u2019art moderne, nous aussi, <\/em>1985,photographie couleur, 112\u00d7152,5 cm<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

Philippe Cazal se met lui-m\u00eame en sc\u00e8ne et sa signature figure en bas \u00e0 droite\u00a0; l\u2018\u0153uvre photographique conf\u00e8re \u00e0 son auteur son statut d\u2019artiste. La r\u00e9alisation s\u2019adresse au spectateur pour lui demander qu\u2019est-ce que l\u2019art moderne et \u00e0 l\u2019auteur pour lui demander qu\u2019est-ce qui fait de lui un artiste plasticien contemporain.<\/p>\n\n\n\n

Il s\u2019interrogeait \u00ab\u00a0\u00catre artiste, pourquoi et pourquoi faire\u00a0?, exposition \u00ab\u00a0Impossible\u00a0\u00bb, 2003,\u00a0 Worldwide Communications Group Inc, Paris\u00a0\u00bb<\/p>\n\n\n\n

Et c\u2019est au travers de ses photographies dont il est un de protagonistes qu\u2019il tente d\u2019y r\u00e9pondre.<\/p>\n\n\n\n

I.5 Une rupture avec l\u2019approche tradition<\/strong>nelle de l\u2019artiste, dont le tableau d\u2019atelier est la principale relation interactive avec son \u0153uvre\u00a0 et son processus cr\u00e9atif.<\/h4>\n\n\n
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Barent Fabritus \u00ab\u00a0Jeune peintre dans son atelier\u00a0\u00bb ,<\/em>1655-1660, huile sur bois 72\u00d754 cm, Mus\u00e9e du Louvre, Paris<\/figcaption><\/figure><\/div>\n\n\n

Ici l\u2019artiste montre l\u2019\u0153uvre en gestation, une autre \u0153uvre est accroch\u00e9e au mur. Au moment o\u00f9 il peint, l\u2019artiste se voit en train de peindre (on ne voit pas ce qu\u2019il peint, mais on peut supposer que c\u2019est bien cette \u0153uvre-ci, un miroir devant \u00eatre plac\u00e9 dans l\u2019atelier \u00e0 la place o\u00f9 l\u00e0 est maintenant le spectateur).<\/p>\n\n\n\n

C\u2019est le tableau miroir renvoyant l\u2019artiste peignant le tableau que l\u2019on regarde.<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

En revanche le dripping de Pollock montre une relation plus fusionnelle entre l\u2019artiste et son \u0153uvre.<\/p>\n\n\n\n

L\u2019\u2019interaction se produit au travers du geste de l\u2019artiste, m\u00eame si au demeurant c\u2019est la\u00a0 vision de l\u2019artiste, comme chez les peintres ant\u00e9rieurs, qui l\u2019emporte.<\/p>\n\n\n\n

I.6 \u00a0L\u2019artiste est aussi le regardeur de son oeuvre et du message qu\u2019elle d\u00e9livre.<\/h4>\n\n\n\n

C\u2019est l\u2019auteur qui d\u00e9termine le sujet de l\u2019\u0153uvre et qui envoie un message au spectateur. <\/p>\n\n\n\n

Celui-ci est clair chez Urs Fisher qui \u00e9voque le temps qui s\u2019\u00e9coule et qui d\u00e9grade toute \u0153uvre qu\u2019elle soit de marbre ou d\u2019alb\u00e2tre. Dans Untitled, dress\u00e9e intacte, puis d\u00e9membr\u00e9e et \u00e9coul\u00e9e, l\u2019\u0153uvre, malgr\u00e9 ou \u00e0 cause de sa transformation\u00a0 enchante l\u2019espace et le spectateur.<\/p>\n\n\n\n

Il met en lumi\u00e8re la vanit\u00e9 \u00e0 vouloir fixer dans le marbre ou couler dans le bronze une \u0153uvre pour l\u2019\u00e9ternit\u00e9.<\/p>\n\n\n\n

Avant d\u2019allumer l\u2019\u0153uvre de cire et de la faire fondre elle est r\u00e9aliste, puis elle se consume devenant informe mais ce faisant l\u2019artiste sait que le spectateur sera fascin\u00e9 par l\u2019id\u00e9e que toute \u0153uvre, y compris un chef d\u2019\u0153uvre de la renaissance en marbre pr\u00e9sente un caract\u00e8re artificiel, factice et n\u2019est pas \u00e9ternelle. <\/p>\n\n\n\n

L\u2019artiste se borne alors \u00e0 regarder l\u2019\u0153uvre qu\u2019il cr\u00e9e et qui illustre le temps qui d\u00e9truit toute \u0153uvre, m\u00eame les plus intemporelles. <\/p>\n\n\n

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\"\"<\/figure><\/div>\n\n\n

L\u2019artiste, ici Urs Fisher, se fait photographier devant l\u2019\u0153uvre de Giambologna. Ce sera sa r\u00e9f\u00e9rence culturelle. D\u2019embl\u00e9e le statut de son \u0153uvre sera ancr\u00e9 dans la continuit\u00e9 culturelle d\u2019une p\u00e9riode et d\u2019un courant le mani\u00e9risme qui se pr\u00eatera \u00e0 son projet cr\u00e9atif.<\/p>\n\n\n\n

Son \u0153uvre s\u2019inscrit dans la culture occidentale. Il donne \u00e0 voir la sculpture de Giambologna. Et lui-m\u00eame par son \u0153uvre\u00a0 instaure un dialogue entre les \u0153uvres du pass\u00e9 et du pr\u00e9sent et entre artistes d\u2019\u00e9poques diff\u00e9rentes.\u00a0 <\/p>\n\n\n\n

La d\u00e9marche et le message d\u00e9livr\u00e9s par Rebecca Horn dans Handshuhfinger sont bien diff\u00e9rents.<\/p>\n\n\n\n

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Rebecca Horn(1944-) Handschuhfinger (Gants-doigts) <\/em>1972, \u00e9preuve g\u00e9latino-argentique 23,9 x17,6 cm,colection Rebecca Horn<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

Il s\u2019agit d\u2019une \u00e9preuve photographique qui fixe une performance de l\u2019auteure. Celle-ci donne \u00e0 son image le statut d\u2019un t\u00e9moignage d\u2019un moment de comportement social et existentiel, qui se place r\u00e9solument dans le monde contemporain, sans r\u00e9f\u00e9rence \u00e0 de <\/em>quelconques \u0153uvres artistiques pass\u00e9es.<\/p>\n\n\n\n

\u201cFinger Gloves\u201d est \u00e0 l\u2019origine une pi\u00e8ce de performance. Rebecca Horn prolonge son corps et notamment ses mains par des b\u00e2tons pr\u00e9hensifs. Les \u2018finger gloves\u2018 consistent en deux proth\u00e8ses, faites chacune de cinq doigts rigides faits de bois de balsa et de tissu.<\/p>\n\n\n\n

La performance montre le corps de l\u2019artiste et son geste cr\u00e9atif. Le b\u00e2ton est un instrument utilitaire mais aussi un medium artistique.<\/p>\n\n\n\n

Cette performance traitait d\u2019abord de son propre corps et de l\u2019espace dans lequel il se d\u00e9place. L\u2019artiste est en mouvement mais l\u2019\u0153uvre aussi et elle est aussi le lieu propre de sa cr\u00e9ation. <\/p>\n\n\n\n

Les \u00a0doigts de l\u2019artiste sont \u00e9tendus et la prolongation de sa main est suffisante pour cr\u00e9er l\u2019illusion que la personne touche quand m\u00eame les d\u00e9tritus. Cela modifie la relation \u00e0 l\u2018environnement quotidien en maintenant l\u2019id\u00e9e que des\u00a0 objets \u00e9loign\u00e9s se trouvent \u00e0 sa port\u00e9e. Selon Rebecca Horn : \u00ab Les gants pour les doigts sont l\u00e9gers. Je peux les d\u00e9placer sans aucun effort. Sentir, toucher, saisir n\u2019importe quoi, mais en gardant une certaine distance des objets. L\u2019action de levier des doigts allong\u00e9s intensifie les diverses donn\u00e9es sensorielles de la main\u2026 Je me sens toucher, je me vois saisir, je contr\u00f4le la distance entre moi et les objets.\u201d Elle voit son \u0153uvre se cr\u00e9er sous ses yeux.<\/p>\n\n\n\n

Il y a une autre pi\u00e8ce qu\u2019elle a faite qui est tr\u00e8s similaire \u00e0 celle-ci, dans laquelle l\u2019interaction avec le spectateur se fait plus directe. L\u2019\u0153uvre sera autant \u00ab\u00a0donn\u00e9e\u00a0\u00bb au spectateur que \u00ab\u00a0donn\u00e9e \u00e0 voir\u00a0\u00bb. Il s\u2019agit de la s\u00e9rie de Berlin r\u00e9alis\u00e9e en 1974 et intitul\u00e9e \u201cToucher les murs avec les deux mains simultan\u00e9ment\u201d. Dans cette pi\u00e8ce, elle a fabriqu\u00e9 des gants d\u2019extension des doigts, mais cette fois-ci, elle les a mesur\u00e9s de mani\u00e8re \u00e0 ce qu\u2019ils s\u2019adaptent sp\u00e9cifiquement \u00e0 l\u2019espace s\u00e9lectionn\u00e9. Si le participant choisi se tenait au milieu de la pi\u00e8ce, il pouvait exactement toucher simultan\u00e9ment les murs oppos\u00e9s.<\/p>\n\n\n\n

I.7. \u00a0L\u2019artiste projette son processus cr\u00e9atif dans son \u0153uvre sous la forme d\u2019une s\u00e9rie.<\/h4>\n\n\n\n

On\u00a0 aurait tort de penser que les auteurs plus anciens n\u2019ont jamais tent\u00e9 d\u2019int\u00e9grer le processus cr\u00e9atif dans l\u2019\u0153uvre qu\u2019il donne \u00e0 voir au spectateur.<\/p>\n\n\n\n

Carmontelle (1717-1806) peignait sur plusieurs feuilles de papier une sc\u00e8ne \u00e0 plusieurs moments. Il en faisait un rouleau et l\u2019on pouvait regarder toute la sc\u00e8ne au moyen d\u2019une visionneuse.<\/p>\n\n\n\n

Les transparents \u00e9taient d\u00e9roul\u00e9s dans une bo\u00eete, poss\u00e9dant deux ouvertures, qui \u00e9tait plac\u00e9e devant une fen\u00eatre ou une chandelle. On image que le r\u00e9sultat devait \u00eatre bien diff\u00e9rent suivant l\u2019option entre ces deux modes d\u2019\u00e9clairage qui \u00e9tait choisie.<\/p>\n\n\n\n

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Louis Carrogis, dit Carmontelle \u00ab\u00a0Promenade dans un parc\u00a0\u00bb<\/em> 1790\u00a0; transparent, gouache, aquarelle, plume et encre sur dix -sept feuilles de papier Whatman, 25cmx1300 cm, lot de 11 bo\u00eetes de rouleaux transparents. Paris, Mus\u00e9e du Louvre.\u00a0<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

Cela permet \u00e0 l\u2019artiste comme au cr\u00e9ateur de ne pas \u00eatre face \u00e0 une \u0153uvre fig\u00e9e mais \u00e0 une \u0153uvre selon diff\u00e9rents points de vue et aspects et d\u2019entrer dans un processus de cr\u00e9ation.<\/p>\n\n\n\n

Ainsi, les \u0153uvres peuvent \u00eatre\u00a0 visionn\u00e9es de fa\u00e7on \u00e0 redonner vie au processus de cr\u00e9ation.\u00a0<\/p>\n\n\n\n

I.8\u00a0 La photographie interroge l\u2019artiste dans sa cr\u00e9ation d\u2019une \u0153uvre.<\/h4>\n\n\n\n
\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Lorsque Simon Hanta\u00ef se photographie en train de cr\u00e9er une \u0153uvre, il sait que voir son \u0153uvre con\u00e7ue en cours de r\u00e9alisation va lui permettre d\u2019affiner sa vision de celle-ci et c\u2019est l\u2019\u0153uvre elle-m\u00eame qui participe \u00e0 sa propre finalisation.<\/p>\n\n\n\n

Aujourd\u2019hui les moyens cin\u00e9matographiques permettent de filmer un artiste produisant une \u0153uvre et celui-ci pourra trouver autant d\u2019int\u00e9r\u00eat dans le processus que dans l\u2019\u0153uvre finale.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

Introduction On se figure souvent qu\u2019une \u0153uvre d\u2019art est le r\u00e9sultat final de la vision ou de l\u2019inspiration propres de l\u2019artiste. Selon le philosophe Alain \u00ab\u00a0l\u2019\u2019id\u00e9e vient \u00e0 l\u2019artiste au fur et \u00e0 mesure qu\u2019il fait\u00a0; l\u2019id\u00e9e lui vient ensuite comme un spectateur, et qu\u2019il […]<\/p>\n","protected":false},"author":2,"featured_media":2215,"comment_status":"open","ping_status":"open","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"advgb_blocks_editor_width":"","advgb_blocks_columns_visual_guide":"","_jetpack_memberships_contains_paid_content":false,"footnotes":""},"categories":[1],"tags":[],"author_meta":{"display_name":"Alexiane Riou","author_link":"http:\/\/alexianeriou.fr\/?author=2"},"featured_img":"https:\/\/i0.wp.com\/alexianeriou.fr\/wp-content\/uploads\/2023\/10\/image-8.png?fit=224%2C300","jetpack_sharing_enabled":true,"jetpack_featured_media_url":"https:\/\/i0.wp.com\/alexianeriou.fr\/wp-content\/uploads\/2023\/10\/image-8.png?fit=791%2C1059","coauthors":[],"tax_additional":{"categories":{"linked":["Non class\u00e9<\/a>"],"unlinked":["Non class\u00e9<\/span>"]}},"comment_count":"0","relative_dates":{"created":"Posted 2 years ago","modified":"Updated 2 years ago"},"absolute_dates":{"created":"Posted on 1 May 2024","modified":"Updated on 6 May 2024"},"absolute_dates_time":{"created":"Posted on 1 May 2024 7 h 33 min","modified":"Updated on 6 May 2024 12 h 59 min"},"featured_img_caption":"","series_order":"","_links":{"self":[{"href":"http:\/\/alexianeriou.fr\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/posts\/2253"}],"collection":[{"href":"http:\/\/alexianeriou.fr\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"http:\/\/alexianeriou.fr\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"http:\/\/alexianeriou.fr\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/users\/2"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"http:\/\/alexianeriou.fr\/index.php?rest_route=%2Fwp%2Fv2%2Fcomments&post=2253"}],"version-history":[{"count":84,"href":"http:\/\/alexianeriou.fr\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/posts\/2253\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":2922,"href":"http:\/\/alexianeriou.fr\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/posts\/2253\/revisions\/2922"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"http:\/\/alexianeriou.fr\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/media\/2215"}],"wp:attachment":[{"href":"http:\/\/alexianeriou.fr\/index.php?rest_route=%2Fwp%2Fv2%2Fmedia&parent=2253"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"http:\/\/alexianeriou.fr\/index.php?rest_route=%2Fwp%2Fv2%2Fcategories&post=2253"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"http:\/\/alexianeriou.fr\/index.php?rest_route=%2Fwp%2Fv2%2Ftags&post=2253"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}